Sensibilidad contemporánea

Los tres músicos, Picasso, 1921

El estudio del arte en la Edad Contemporánea en la asignatura de Historia del Arte, lo vamos agrupar bajo el título, Sensibilidad contemporánea. Este periodo que comienza a finales del siglo XVIII y lo terminaremos en 1945, pretende abordar los estilos más pujantes y las obras más significativas en pintura, escultura y arquitectura. Los alumnos indagarán los temas a ellos referidos en forma de trabajos cuyo producto final será expuesto en el aula. De estos aprenderemos los cambios en el arte que se van a producir en la época de las revoluciones burguesas, hasta la ruptura de la segunda mitad del siglo XIX con el arte tradicional.

La fuente, 1917, Marcel Duchamp

El desarrollo de la sociedad industrial cada vez más avanzada y el surgimiento del consumo y la iniciativa cultural de las masas, estarán en la base de unos planteamientos artísticos diferentes. La pintura no vuelve a ser la misma desde la aportación de los artistas impresionistas y postimpresionistas con Cézanne, Van Gogh y Gauguin a la cabeza. Los movimientos de vanguardia en la primera mitad del siglo XX, configuran las directrices del arte que nosotros percibimos en la actualidad. 

Pabellón de Alemania en Barcelona de 1929, Mies van der Rohe

Por otra parte, la aplicación de los nuevos materiales como el hierro y el hormigón, transformarán la arquitectura que perderá la decoración historicista en favor de la función para la que está realizada. Se hará necesario la planificación urbanística por el crecimiento de la población que emigra del campo y la concepción de nuevos tipos de viviendas para alojarla. Sin embargo, los grandes arquitectos como Gaudí, Mies van der Rohe, Fran Lloyd Wright y Le Corbusier mostrarán una aportación que supera la mera utilidad.

El espacio y la luz en Johannes Vermeer

Alegoría de la Pintura, 1666

Johannes Vermeer (1632-1675) es uno de los grandes maestros de la pintura holandesa barroca. Nos atrae sobre todo porque refleja de manera peculiar las características propias en cuanto a los géneros y temas tratados en este país europeo, y por poseer un estilo de gran virtuosismo técnico y singularidad. Sabemos que dejó pintar a la manera italiana, propio de sus primeras obras, para que a finales de los años cincuenta del siglo, desarrollase un nuevo estilo y temática, el que se identifica con el artista. De la pintura de historias, religiosas o mitologícas, pasó a centrarse en la de género, que tenía mayor demanda.

La lechera, 1660

La obra de Vermeer se comprende en el ámbito de un grupo de artistas como Pieter de Hooch, Gerard ter Borch, Frans van Mieris, Grabriel Metsu y Nicolaes Maes entre los más conocidos, y de los que él recibiría una cierta influencia. La temática se centra en la pintura de género, que representa interiores domésticos donde la protagonista en una mujer sola, que realiza diferentes tareas: lee, encaja bolillos, pesa joyas, vierte líquidos o toca música. A veces aparece acompañada de una criada que porta una carta, tal vez amorosa, o es acompañada por un varón con relaciones corteses.

Mujer en azul, 1662

El espectador de sus cuadros se convierte en un observador de una realidad íntima. Un pretexto para mostrar su portentoso estilo, que capta un instante de una manera sobria y simple, pero a la vez de gran complejidad. Los cuadros tienen un efecto paradójico, el observador, está próximo pero, a la vez, lejos de la escena. Un efecto obtenido por un punto de vista ligeramente bajo y un horizonte situado en la mitad superior del cuadro. La luz juega un papel esencial como elemento definidor del espacio y las cualidades de la realidad. Una luz directa que se descompone en la figura humana y en los objetos, y en la que en su difusión crea la materialidad de las cosas, superando las limitaciones impuestas por el empleo de la cámara oscura.

Mujer con balanza, 1662

Estas características las vemos en obras como La lechera (1660-61) o Dama bebiendo con un caballero de la misma fecha. Tras las que llegan sus obras mejores: Mujer con jarra (1662); Lectora en azul (1662-65); Mujer con balanza (1662-65); y sobre todo, La encajera (1670-71), donde revela las claves de su modo de pintar: pintura y luz. Las figuras ligeramente más oscuras, o enmarcadas por motivos sombreados del primer plano, destacan sobre fondos de luz. De esta manera logra un efecto llamativo: al poner en sombra los motivos del primer plano, los aleja de nosotros, y al situar las figuras femeninas contra la luz, las ha enfatizado y establecido una distancia entre ellas y el fondo, aproximándolas a nosotros.

Joven con perla, 1665

La famosa obra, Joven con perla (1665), tiene la peculiaridad de tener un fondo oscuro pero sigue los principios de pintura hecha luz. En un instante fugaz, una muchacha joven se vuelve hacia nosotros mirándonos fijamente y con los labios ligeramente entreabiertos. Destaca el brillo de la perla del pendiente en el reflejo, casi en el centro de la imagen en paralelo con los ojos de la muchacha. Sobresalen igualmente las calidades de las telas, mientras parte de la nuca se funde en la sombra del fondo.

La carta de amor, 1667

Resumen de la personalidad de Johannes Vermeer e el cuadro titulado, El Arte de la Pintura, obra que se encontraba en casa del artista a su muerte. El cuadro representa un interior en el que un pintor, de espaldas, comienza a plasmar una figura femenina con los símbolos de la Historia (Clío) y la Gloria: una corona de laurel, un libro y una trompeta. Detrás, un mapa de las diecisiete provincias de los Países Bajos antes de su separación. No es una mera representación del taller de un pintor, un cuadro de género más, sino una alegoría que une la Historia y de la Gloria en relación a la Pintura. Una reflexión sobre lo que fue la pintura antigua y cómo el artista la concibe con su obervación, a través de la composición y la luz, según su propia manera, puramente visual.